Dans un récent article sur le nouveau film Marvel Éternels, le critique de NPR, Glen Weldon, cherche à trouver une lueur d’espoir dans la sortie d’une autre monstruosité de super-héros. Reconnaissant que l’ensemble du genre est devenu à ce stade une sorte de bruit blanc culturel, il découvre néanmoins un murmure sonore au milieu du vacarme – dans ce cas, les empreintes artistiques de la réalisatrice indépendante Chloe Zhao, dont l’influence est “partout Éternels. ” Eh bien, pas tout à fait. Parce que, comme le reconnaît lui-même Weldon, l’esthétique au plomb et stéréotypée de Marvel Cinematic Universe (MCU) domine toujours tellement le film que les scintillements du style du réalisateur sont, au mieux, une présence négligeable : “Vous seriez pardonné”, écrit-il. , “pour avoir supposé que la présence de réalisateur de Zhao serait enterrée, prise dans les engrenages de la machine MCU et broyée dans la même poudre uniformément fine qui est cuite dans chaque film Marvel. Et ça s’enracine, dans une certaine mesure. Mais pas entièrement. »
Le résultat, soutient Weldon, est un film qui « repousse » les plaintes standard émises par ceux qui « entretiennent un mépris performatif pour la production cinématographique de Marvel » et, vraisemblablement, contre ceux d’entre nous qui trouvent à redire à l’uniformité épuisante de l’ensemble genre de super-héros. Sans ombre destinée à M. Weldon ou Éternels‘ Chloe Zhao, c’est une déclaration désolée sur le paysage culturel actuel que la faible présence du style d’un réalisateur individuel est maintenant un événement si rare que nous sommes invités à célébrer. Les films, semble-t-il, sont devenus si homogènes que le moindre écart par rapport au format habituel de la chaîne de montage est censé être transgressif et avant-gardiste.
C’est dans ce contexte qu’il faut situer La dépêche française (titre complet : L’expédition française de la liberté, Kansas Evening Sun), le nouveau film d’anthologie de Wes Anderson – un réalisateur dont le style est si particulier que vous le reconnaissez invariablement tout de suite. Cela peut être anecdotique, mais je soupçonne mon propre arc avec les films classiques d’Anderson comme Les Tenenbaums royaux, Royaume du lever de lune, et Le Grand Hôtel Budapest est probablement l’un au moins en partie partagé par beaucoup de ma génération. J’ai découvert ses films à la fin de mon adolescence et au début de la vingtaine et j’ai été profondément fasciné par leur beauté ornée et leur fantaisie. Avec quelques années d’études en cinéma et beaucoup plus de films à mon actif, je les ai largement relégués au royaume de la fantaisie de premier cycle, les considérant comme des bagatelles amusantes plus que des objets aimés.
J’ai eu du mal à soutenir ce point de vue quelque peu maladroit dans la trentaine, peut-être parce que la culture de masse est maintenant si homogène que tout ce qui possède le point de vue d’un artiste individuel mérite effectivement d’être célébré. La dépêche française n’aurait pu être fait par personne d’autre que Wes Anderson. Et, comme tous ses films, il regorge positivement de moments agréables, d’une ironie sardonique et d’un charme simple. Si vous ne faites pas partie de ceux qui sont rebutés par le schtick très distinctif du cinéaste, c’est un banquet de délices visuels méticuleusement stylisé que vous apprécierez pleinement (même si le format d’anthologie le laisse moins étendu que l’épopée Hôtel Grand Budapest).
En guise de résumé, La dépêche française est nominalement sur un journal d’expatriés américain basé dans la ville française fictive d’Ennui-sur-Blasé (environ « L’ennui sur le monde »). Le périodique éponyme, cependant, est plus une feuille volante qu’un sujet réel – la majorité du film se compose de trois longues vignettes (avec une plus courte), chacune traitant d’une histoire différente publiée au cours de l’histoire de plusieurs décennies du journal (nous apprenons dans ses cadres d’ouverture que l’éditeur, Arthur Howitzer Jr, est décédé et que le personnel envisage de publier un numéro d’adieu rétrospectif à sa demande posthume).
Dans le bref « The Cycling Reporter », l’écrivain voyageur Herbsaint Sazerac (Owen Wilson) fait le tour de l’Ennui-sur-Blasé et compare son passé et son présent ; dans « The Concrete Masterpiece », l’artiste perturbé et emprisonné Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro) peint des nus abstraits du gardien Simone (Léa Seydoux) et, grâce à l’effort d’un marchand d’art sans scrupules, devient une sensation invraisemblable ; dans « Revisions to a Manifesto », Lucinda Krementz (Francis McDormand) dresse le portrait d’un groupe d’étudiants radicaux dirigé par Zeffirelli (Timothée Chalamet) alors qu’ils mettent en scène une « révolution en échiquier » et s’implique brièvement sexuellement avec lui ; dans «La salle à manger privée du commissaire de police», l’écrivain Roebuck Wright (Jeffrey Wright) raconte un récit frénétique et quelque peu embrouillé impliquant de la nourriture, la police et un enlèvement de rançon.
A la fin du film, un post-scriptum du réalisateur lui-même annonce Les Expédition française en hommage à plusieurs de ses préférés New yorkais écrivains, offrant une liste de noms comprenant Joseph Mitchell, Lillian Ross et James Baldwin – dont les ressemblances et les personnalités inspirent vaguement divers personnages. “Nous volions des choses très ouvertement”, a déclaré Anderson joyeusement au New yorkais dans une interview de septembre, « vous pouvez donc vraiment identifier quelque chose et découvrir exactement d’où il vient. »
L’utilisation incessante du pastiche dans le film est à la fois ce qui lui confère son charme et l’endroit où il finit par heurter un mur. En tant que styliste, Anderson est incroyablement doué, possédant une maîtrise sans effort des techniques cinématographiques modernistes et évoquant diversement des maîtres français comme Jean-Luc Godard, Jacques Tati et François Truffaut. Son appréciation nostalgique des images, des sons et des styles esthétiques des époques antérieures s’étend également aux personnes, aux lieux et aux objets, dont beaucoup sont des composites tirés de sources multiples. Ennui-sur-Blasé se sent à la fois une ville et une ville – pas tout à fait Paris mais aussi, comme le New York Times‘ AO Scott le dit, pas tout à fait ne pas Paris non plus. L’éditeur Arthur Howitzer Jr est (selon Anderson lui-même) un hybride de New yorkais éditeurs Harold Ross et William Shawn. Même le dispositif structurant du film porte à peu près la même ambiguïté. La dépêche française le journal ressemble visuellement au New yorkais, mais s’inspire clairement aussi de publications d’expatriés comme la défunte International Herald Tribune.
Une implication de ce style composite est qu’il donne à l’univers d’Anderson une historicité résolument éthérée – avec des images, des personnes et des événements semblant exister à plusieurs périodes à la fois. Dans La dépêche française, un péché Le Grand Hôtel Budapest, l’histoire elle-même se présente sous forme de pastiche, de sorte qu’elle nous vient souvent comme un écho quasi ironique plutôt que comme un simple rendu. Ceci est le plus apparent pendant la séquence de la « révolution de l’échiquier », où Mai 68 n’est pas tout à fait Mai 68 mais pas tout à fait non plus. ne pas Mai 68 : des militants étudiants fantaisistes se rebellent contre « mille ans d’autorité républicaine » tout en cherchant à détruire un « projet impérialiste néolibéral », et Timothée Chalamet incarne une sorte de version maniaco-ludique de Daniel Cohn-Bendit.
C’est un bon moment pour s’amuser, mais les gens et les événements sont tellement déshistoricisés que le plat à emporter est le plus souvent un sentiment amusé de nostalgie sans thèse créative au-delà de l’apparence et de la sensation des choses. Le projet d’Anderson est très apprécié et, pour ce qu’il vaut, il a clairement l’intention de rendre hommage à ses sujets plutôt que de les fréquenter. La distance ironique qui en résulte, cependant, transforme parfois ces sujets en gossamer, les évoquant comme des points de référence détachés plutôt que comme des objets solides ou tangibles. Cela contraste avec certaines des plus grandes influences d’Anderson, en particulier des figures de la nouvelle vague française comme Godard, qui croyait profondément au potentiel politique (et même révolutionnaire) du cinéma et cherchait activement à le mettre au service de fins politiques.
Ce n’est pas un coup sur Anderson ou son style en soi. La dépêche française est un film extrêmement divertissant et magnifique, et je serais heureux de le regarder une douzaine de fois de plus avant d’aller voir la plupart des films qui ont maintenant tendance à être projetés dans les salles. À une époque de culture de la chaîne de montage et d’uniformité visuelle induite par CGI, la nostalgie d’Anderson pour les images, les sons et les goûts des époques antérieures est à la fois rafraîchissante et louable. Cependant, cela vaut également la peine d’être nostalgique pendant un certain temps avant que notre sens collectif de l’élan vers l’avant de l’histoire ne s’arrête, et le passé pourrait nous être montré comme quelque chose de réel et de tangible plutôt que comme un objet quasi-ironique à représenter en scintillant. effigie.
La source: jacobinmag.com
