Pourquoi le chemin de fer de Brooklyn est important

À l’heure actuelle, lorsque le monde de l’art, comme la culture plus large dans laquelle il s’inscrit, est stressé au-delà de toute croyance, c’est le bon moment pour une innovation radicale. Car ce que l’histoire montre parfois, c’est que les crises traumatiques ouvrent des possibilités de changement dramatique. Pendant longtemps, les théoriciens ont classé l’art contemporain en termes d’oppositions binaires mutuellement exclusives. Les premiers modernistes ont opposé l’avant-garde avancée à la peinture de salon esthétiquement réactionnaire. Clement Greenberg a présenté le modernisme autocritique contre le kitsch non critique de la culture de masse. Rosalind Krauss et elle octobreistes opposait les postmodernes politiquement progressistes à leurs contemporains esthétiquement réactionnaires. Et bien sûr, d’autres théoriciens ont proposé diverses autres oppositions. Au fil du temps les exemples ont changé, mais le principe directeur reste toujours le même : il y a le bon travail progressiste et à l’opposé, le mauvais art conformiste. Mais maintenant, il est possible de changer radicalement cette façon de penser.

Le train de Brooklyn, une revue mensuelle gratuite fondée en octobre 2000, publie dix numéros par an, à la fois 20 000 en version papier et en ligne avec 3 millions de lecteurs dans le monde. Il comprend des critiques d’art, des entretiens avec des artistes et également une couverture des livres, de la musique, de la danse, de la poésie, du théâtre et de la politique. Phong H. Bui, l’éditeur et directeur artistique, qui a organisé à ce jour près de 100 expositions depuis Le raila entrepris, à l’arrivée de la présidence Trump 2016, une série d’expositions depuis sous le slogan Les artistes doivent créer à la même échelle que la société a la capacité de détruire, une oeuvre néon de Lauren Bon, qui peut servir de titre ou de sous-titre. Par exemple, Occupy Mana : les artistes doivent créer à la même échelle que la société a la capacité de détruire à Mana Contemporary, New Jersey, et Occupy Colby : les artistes doivent créer à la même échelle que la société a la capacité de détruire en 2017, ou Les artistes doivent créer à la même échelle que la société a la capacité de détruire: Notre mer en tant que projet collatéral, co-organisé avec Francesca Pietropaolo, à la Biennale de Venise en 2019. Et à partir de mai 2022, en collaboration avec Cal McKeever, il a organisé sept expositions à New York intitulées collectivement Chanter à l’unisson : les artistes doivent créer à la même échelle que la société a la capacité de détruire.

Ces expositions contiennent chacune beaucoup d’art dans des tentures denses. Et ils sont accompagnés d’une programmation publique, y compris des lectures de poésie, des tables rondes, des spectacles de musique et de danse. Dans la seule septième exposition récente, du 23 septembre au 17 décembre 2022, dans un espace de 16 000 pieds carrés à Industry City, Sunset Park, Brooklyn était l’œuvre de 69 artistes, principalement de grandes peintures, sculptures ou installations; certains d’entre eux étaient de personnalités célèbres, mais d’autres sont des artistes relativement obscurs, voire inconnus. Il y a une liste de contrôle à la porte, mais pas d’étiquettes, donc pour voir qui a fait quoi, vous devez chercher par vous-même. Il y a eu plus de 14 000 visiteurs, un vaste public pour une exposition collective d’art contemporain à Brooklyn. Comme Le rail explique le site Web, ces tentures incarnent “une vision démocratique, représentant une symphonie de créations individuelles qui célèbre la culture pour tous”. Le thème sous-jacent et cohérent tout au long de ces expositions est les dialogues visuels entre des œuvres d’art, réalisées par des artistes formés, et ceux qui sont autodidactes, du très connu au moins connu, par exemple, Julian Schnabel, Sean Scully, Liliane Tomasko, Ugo Rondinone, David Reed, Katherine Bradford et Kady JLKR sont installés aux côtés de Thornton Dial, Purvis Young, Jared Owens, James Drinkwater et Uman ; il y a même des autoportraits réalisés par des élèves de première année du Queens. Dans toutes ces expositions, au lieu de fournir le contexte ou le cadre curatorial pour les spectateurs, y compris les textes muraux et les étiquettes des œuvres, son objectif semble faire le contraire : donner aux spectateurs l’expérience de regarder l’œuvre d’art par eux-mêmes. volition; s’abandonner à leur réceptivité sans support textuel ou autre.

Les rétrospectives comme les Carnegie Internationals ou les Whitney Biennales ont généralement un principe de sélection. Ici, cependant, vous voyez de très nombreuses options pour l’art visuel américain contemporain. Le train de Brooklyn est une grande tente, engagée à montrer autant que possible l’énorme variété de l’art contemporain. Aimerez-vous tout ce que vous voyez? Vraiment pas! Qu’importe alors le plus de cet art ? Pour répondre à cette question, il faut chercher par soi-même, car le plaisir de voir l’unicité d’une œuvre qui correspond à une autre dépend entièrement de la découverte de soi. Dans tous les cas, chaque œuvre d’art, qu’elle soit abstraite ou figurative, peut certainement être liée les unes aux autres à travers une variété de problèmes formels, y compris des images, des couleurs, des textures, des matériaux, etc., etc., qui peuvent parfois être vus directement. les uns à côté des autres à proximité, d’autres fois indirectement subtils de loin.

Cette philosophie du principe général d’organisation démocratique s’applique de la même manière à la critique et aux interviews dans les pages du journal, qui sont extrêmement variées. Le numéro de décembre 2022 au 23 janvier compte 152 pages dans l’édition imprimée, en plus de plus de 60 articles WebEx, plus de documents, je suppose, que quiconque, à l’exception des éditeurs, aura probablement le temps de lire. L’objectif est de fournir une image aussi complète que possible de la création artistique et des autres productions culturelles à New York et au-delà, aujourd’hui. Le modèle directeur ici est donné par l’historien de l’art américain Irving Sandler (1925-2018), qui a couvert dans ses livres un grand nombre des artistes américains les plus connus, des expressionnistes abstraits à nos jours. Son objectif annoncé, atteint avec succès, était de fournir un dossier impartial et complet. Contrairement à Greenberg ou Krauss (et à la plupart de leurs successeurs), il n’a pas fait de distinction moralisatrice entre le « bon » et le « mauvais » art. Et, en plus, depuis la première émission diffusée le 17 mars 2020 au début de l’épidémie de Covid la Rail a organisé quotidiennement Zoom, connu sous le nom de série New Social Environment Lunchtime Conversation. Aujourd’hui, avec plus de 700 épisodes terminés, ces programmes (disponibles en ligne) ont atteint à eux seuls plus de deux millions de téléspectateurs. Là encore, il s’agit de dresser un état des lieux complet de la scène culturelle actuelle. Se comparant au directeur d’une symphonie, Bui a déclaré que ses contributeurs, « qui . . . sont des musiciens avec des sons distincts » sont chacun « traités comme tout aussi importants ». Le rail repense et révise ainsi radicalement la nature de la critique d’art et de l’exposition d’art contemporain.

Les implications critiques de cette pratique sont très suggestives et méritent donc d’être précisées. La quantité d’informations fournies par Le rail– et la quantité d’œuvres d’art exposées au Rail expositions est étonnant. Dans ces expositions, comme ce n’est pas le cas dans la plupart des enquêtes de musées ou de galeries, vous obtenez quelque chose comme une vue complète de notre pratique du monde de l’art. Il existe cependant un précédent important mais historiquement lointain, les Salons du Louvre à la veille de la Révolution française. Ces expositions font l’objet d’une grande attention scientifique car le libre brassage de classes portant des jugements esthétiques libres a anticipé les débats politiques de la Révolution française. Comme Le rail-shows, ces expositions d’art visuellement chargées aspiraient à montrer tout l’art contemporain d’intérêt. Parce qu’il y avait tant à voir, le besoin de guides écrits a inspiré la naissance de la critique d’art. Le premier critique reconnaissable Denis Diderot a consacré plus de 350 pages de commentaires attentifs au Salon de 1767. Les peintures françaises contemporaines présentées étaient très différentes des œuvres de Le rail, et le style du commentaire de Diderot contrairement à celui de nos critiques. Mais l’accrochage de ces expositions n’est pas si différent de celui de l’Ancien Régime français. Alors, comme aujourd’hui, le public avait besoin de juger une grande quantité d’art contemporain.

Travaillant indépendamment du Rail, Joachim Pissarro et moi-même avons développé dans deux ouvrages récents sur ce que nous appelons « l’art sauvage », l’art hors du monde de l’art, une théorie esthétique soutenant (en partie) cette façon de penser radicalement originale. Avec la présentation de centaines d’exemples et un appareil textuel historique et philosophique complet, nous critiquons la théorie esthétique traditionnelle. Mais la discussion des affinités de notre récit avec les préoccupations de Le railLa publication et les expositions de est une autre histoire, pour une autre occasion.

Note:

En tant qu’examinateur et l’un des 37 rédacteurs en chef auxquels je participe Le rail. La publication est librement accessible en ligne. Sur le salon de Venise, voir mon : https://hyperallergic.com/510079/reconciling-secular-art-in-sacred-spaces/ Pour les salons de New York, voir https://industrycity.com/visit/explore/brooklyn- rail/. Mon récit emprunte à Charles Duncan, « Democratic Visages. Portrait Drawings and Meditation Paintings of Phong Bui, « Symphonies and Meditations », catalogue d’exposition (New York, 2022). Voir également, Diderot sur l’Art, Tome II : Le Salon de 1767 (1995). Joachim Pissarro et moi sommes les auteurs de Art sauvage (2013) et Esthétique des marges/ Les marges de l’esthétique: L’art sauvage expliqué (2018).