Chansons contre l’enfer des esclavagistes

Le chant Sacred Harp est une tradition de musique chorale sacrée originaire de la Nouvelle-Angleterre et qui s’est finalement poursuivie dans le sud des États-Unis. Le nom vient d’une collection de chansons de 1844 intitulée La harpe sacrée. Les chansons de ce livre sont notées dans ce que l’on appelle des notes de forme qui, selon le site Web Smithsonian Folkways, “sont apparues pour la première fois dans un livre intitulé L’instructeur facile, imprimé en 1801. Il utilisait quatre syllabes pour les sept notes de la gamme et donnait à chaque syllabe une tête de note distinctive : un triangle pour fa, un ovale pour sol, un rectangle pour la et un losange pour mi. Il existe plusieurs groupes choraux aux États-Unis qui se spécialisent dans ce type de lecture et de chant de musique. L’un des plus connus est basé à Amherst, dans le Massachusetts, et s’appelle les Sacred Harp Singers of Western Massachusetts. Avec quelques autres groupes de musique et chorales, ils constituent les musiciens jouant sur l’enregistrement qui fait partie d’une publication récemment publiée de Mat Callahan intitulée Chants d’esclavage et d’émancipation.

La publication elle-même est une combinaison d’un livre, d’un CD et d’un film. Au-delà de la beauté de l’emballage lui-même – on pourrait manquer d’éloges en décrivant uniquement l’emballage du CD – se trouve la beauté de la musique elle-même. Tragique, triomphant, réfléchi, parfois colérique et joyeux ne font que commencer la suite d’adjectifs suggérés par ce critique dans sa tentative de décrire les émotions ressenties à l’écoute du disque. La plupart de la musique présente la voix comme instrument principal, qu’elle soit interprétée par le chœur susmentionné, le Berea Songs of Slavery and Emancipation Ensemble réuni spécialement pour cet enregistrement ou l’un des autres groupes et solistes. Un ami, Thomas MacDonald – un ténor qui a étudié avec des stars du Met et de La Scala – a noté après avoir écouté l’enregistrement : « Tous les solistes… ont des timbres richement colorés, les hommes en particulier. Bien qu’ils ne soient pas formés au sens classique comme Paul Robeson ou William Warfield, ils sont néanmoins non forcés (performances) et les paroles sont profondément transmises. Une anomalie dans la sélection des chansons est un vieux morceau de type bluegrass intitulé “The True Spirit” interprété par le Bluegrass Ensemble du Berea College.

Pour ceux qui ne connaissent pas Berea College, laissez-moi le décrire. Berea est un petit collège de l’est du Kentucky. Il a été fondé en 1855 par un ministre presbytérien abolitionniste et c’était le premier collège intégré et mixte du Sud. De plus, il ne facture pas de frais de scolarité à ses étudiants admis. Pour les lecteurs familiers avec l’auteur et écologiste Wendell Berry, c’était sa maison et la ville de Berea était le modèle de son bourg fictif de Port William. De plus, le collège abrite une école de menuiserie et d’autres arts populaires de renommée mondiale. Lorsque je vivais à Asheville, en Caroline du Nord, les œuvres d’étudiants en menuiserie du collège ont participé à des expositions-concours parrainées par diverses associations et le National Park Service, remportant souvent la plupart des prix les plus prestigieux.

Retour au travail en cours. Comme le note Chester Gundy, un administrateur à la retraite de l’Université du Kentucky dans les premières minutes du film mentionné ci-dessus, de nombreux résidents américains souffrent d’amnésie historique. Il poursuit en disant au spectateur que cette amnésie vient de “tout simplement ne pas valoriser l’histoire”. Cette sous-évaluation est plus prononcée dans les récits concernant les membres noirs, autochtones et autres non blancs de la société. Depuis le moment où nous sommes d’abord à l’école jusqu’à ce que nous atteignions nos fins, beaucoup de ceux qui vivent aux États-Unis n’ont aucune connaissance des réalités culturelles et politiques de ceux qui ont été historiquement marginalisés ou on leur a enseigné une version très déformée de ces réalités. . Parmi les histoires les plus déformées présentées aux résidents américains figurent les histoires d’esclavage et le traitement des peuples autochtones. Le projet de Mat Callahan fait partie d’un effort sans fin pour corriger ces distorsions.

Le livre commence par un essai de l’auteur et chercheur Robin DG Kelley qui s’ouvre sur la question : « Que devons-nous penser du fait que les êtres humains détenus comme propriété sont responsables du plus grand don culturel et artistique des Amériques au monde ? Après l’introduction de Kelley abordant cette question et des questions connexes, le lecteur est accueilli dans un résumé intéressant de l’approche adoptée par Callahan pour rechercher l’histoire de ces chansons et l’époque à laquelle elles ont prospéré. Vient ensuite une brève postface de Jackson, l’organisateur communautaire du Mississippi Kali Akuno discutant la signification actuelle des chansons présentées dans cette collection. Viennent ensuite les chansons. Annotés de dates et de sources, ils remplissent les pages de leur émotion, de leur humour et de leur clarté, le tout rehaussé par l’enregistrement qui les accompagne qui révèle leurs vérités éternelles et spécifiques.

Les esclaves africains et leurs descendants n’étaient pas dociles et satisfaits de leur sort. Leur résistance a pris de nombreuses formes, y compris la rébellion armée, la fugue, des actes de résistance individuels ciblant les esclavagistes et leurs familles, ne fonctionnant pas au rythme et ne fonctionnant tout simplement pas. De Nat Turner à Harriet Tubman, de Frederick Douglass à l’esclave en fuite en route vers le Canada, leur résistance était généralisée. En plus de ces actes finalement politiques, les esclaves ont développé une culture de résistance. C’est l’essence de ce livre, de cet enregistrement et de ce film. Inspiré par la découverte par l’auteur du texte de 1937 de l’historien et militant de gauche Herbert Aptheker intitulé Révoltes d’esclaves noirs aux États-Unis 1526-1860 (inclus en annexe au texte), l’œuvre de Callahan représente cette culture de manière multi-sensorielle. Cette approche n’est pas seulement efficace, c’est peut-être la seule approche qui puisse vraiment exprimer l’âme de cette résistance ; sa beauté, sa profondeur, sa colère et son désir. Cela est vrai depuis les premières notes de l’enregistrement de l’interprétation d’Alden “Max” Smith de “Agonizing, Cruel Slavery Days” jusqu’aux notes finales de la vocalisation de “What Mean Ye?” des Sacred Harp Singers de l’ouest du Massachusetts.