Dans le classique culte de Perry Henzell de 1972 Plus ils viennent, le chanteur en herbe Ivan Martin accepte à contrecœur une offre dégradante de 20 $ pour son single du plus puissant patron du label musical de Kingston, Hilton, qui répond tristement qu’il fait les tubes, pas le public. Ivan tente de briser le système d’injustice et de payola en vain. Finalement, il est contraint à des activités criminelles pour payer les factures, tandis que son record est en tête des charts jamaïcains.
Plus ils viennent sert de représentation d’une industrie bâtie sur les fondements de l’exploitation. Avec l’avènement du Web 2.0, où les musiciens et les labels indépendants pourraient diffuser de la musique à un public connecté à l’échelle mondiale avec des coûts marginaux très bas, certains ont avancé que l’industrie serait démocratisée. À leur tour, tous les artistes pourraient bien gagner leur vie, tandis que les labels indépendants pourraient rivaliser sur un pied d’égalité avec les grandes maisons de disques.
Cependant, comme la plupart des visions de l’utopie numérique, cela s’est avéré être loin de la réalité. La part de marché de Big Tech dans l’industrie de la musique a considérablement augmenté au cours des dernières années – le streaming a remplacé la musique enregistrée en tant que principale source de revenus de l’industrie – et les plateformes numériques exercent un pouvoir de plus en plus prédateur.
Pendant la pandémie, les artistes se sont largement appuyés sur les plateformes de streaming numérique pour leur subsistance en raison des interdictions imposées sur les spectacles en direct et du soutien inadéquat de l’État (au Royaume-Uni, plus d’un quart des personnes de l’industrie de la musique n’étaient pas admissibles à l’aide au revenu des travailleurs indépendants. Scheme, ou SEISS). Comme les musiciens dépendent des concerts en direct, les problèmes structurels du streaming ont été mis au premier plan, les artistes étant contraints d’accepter des redevances nivelées par le bas comme seule source de revenus.
Le boom du streaming verrouillé a encore consolidé la position des principales plateformes de streaming, entraînant une augmentation des inégalités et des salaires inéquitables. Les grands labels utilisent leur avantage structurel pour engranger de gros profits aux dépens des labels et des musiciens indépendants, tandis que la gamification du succès tente de dresser les musiciens atomisés les uns contre les autres. Comme l’écrit la critique culturelle Liz Pelly dans le Baffleur, Spotify a un « modèle de type Uber pour les artistes indépendants ».
L’atout le plus commercialisable de Spotify est son algorithme, qui cherche à marchander les goûts des utilisateurs avec des suggestions et des listes de lecture organisées. En utilisant la surveillance, la plate-forme vise à rivaliser avec Facebook et Google en tant qu’espace publicitaire. Grâce à des contrats secrets inconnus du public, des algorithmes et des listes de lecture de marque guident les gens vers l’écoute des mêmes artistes représentés par les majors, ressemblant à la payola d’exclusion vue dans Plus ils viennent. Les labels paient ou acceptent des redevances moins élevées en échange d’une exposition accrue de Spotify via des listes de lecture organisées et leur algorithme, comme dans le programme « payer pour jouer » de Spotify.
Seuls les artistes inféodés à l’industrie culturelle ont tendance à réussir avec le streaming. Le premier pour cent des artistes représente 78 à 80 pour cent des flux, et Cherie Hu a conclu que seulement 0,4 pour cent des artistes au Royaume-Uni (1 723) vivent du streaming et que la majorité de ce nombre sont signés auprès de majors.
Couplé à des coupes dévastatrices dans le financement de la musique, de plus en plus d’artistes viennent de milieux privilégiés, et les musiciens de la classe ouvrière sont de plus en plus exclus financièrement. Comme le note Dan Hancox dans Inner City Pressure: L’histoire de la crasse, c’est une tendance qui prolifère depuis le New Deal du New Labour en 1998, qui excluait les musiciens de réclamer l’allocation. L’année dernière, l’Union des musiciens a appelé à un revenu de base universel pour augmenter le financement public de l’industrie.
Comme le suggère Nick Srnicek dans Capitalisme de plate-forme, les plateformes ont des tendances monopolistiques. Leurs « effets de réseau », où la valeur augmente avec le nombre d’utilisateurs, signifient qu’il est presque impossible pour les petites plates-formes d’entrer sur le marché et de rivaliser efficacement. Une fois qu’une plate-forme de streaming est capable de s’établir et de devenir importante, elle peut mettre plus de musique dans son catalogue, ce qui entraîne plus d’abonnements et, en fin de compte, des données utilisateur plus précieuses.
Plus tôt cette année, une enquête parlementaire sur le marché du streaming a suggéré une « réinitialisation complète » du marché du streaming, et il a été annoncé que la CMA (Autorité de la concurrence et des marchés) lancerait une étude sur la base de ces recommandations. Cependant, les tentatives de régulation des monopoles naturels sont souvent inefficaces et tendent à renforcer les principes néolibéraux de concurrence, d’atomisation et d’exploitation.
L’action parlementaire a été forcée par les appels de l’Union des musiciens et de l’Académie des Ivors. Aux États-Unis, l’Union of Musicians and Allied Workers a également lancé la campagne « Justice at Spotify » en 2020, recueillant plus de quatre mille signatures de travailleurs de l’industrie de la musique, qui ont fait un certain nombre de demandes à Spotify. Bien que l’action collective des travailleurs soit vitale pour lutter contre les pratiques d’exploitation des Big Tech, cela ne peut être qu’une solution à court terme. La justice ne sera rendue qu’une fois la musique sortie de la logique du libre marché.
Il y a eu une dérive récente vers l’utilisation de plates-formes plus équitables – telles que Bandcamp et Resonate – ainsi que le service d’adhésion Patreon. Ces plateformes sont plus conviviales pour les artistes et ont été une bouée de sauvetage pour beaucoup pendant la pandémie. Cependant, encore une fois, ce sont des solutions à court terme qui reposent sur des artistes ayant déjà une base de fans substantielle pour gagner un salaire décent. Les musiciens ont toujours exprimé leur frustration face aux faibles taux de rémunération pour la diffusion en continu de leur travail sur Bandcamp.
Pour changer le paradigme actuel, les propositions réglementaires doivent être présentées conjointement avec des changements plus fondamentaux et à long terme dans la propriété et le contrôle des plateformes numériques. Une plate-forme de diffusion en continu financée par des fonds publics dans laquelle la musique est considérée comme un bien public accessible à tous, détenu collectivement et contrôlé par le peuple démocratiserait l’industrie de la musique et créerait une économie numérique plus durable.
Comme l’écrit Common Wealth dans son rapport Une plate-forme commune, les coopératives numériques sont souvent confrontées à deux problèmes. Premièrement, il est difficile pour une coopérative d’attirer des financements éthiques pour ses entreprises. Deuxièmement, les coopératives numériques sont toujours motivées par le profit et ne séparent donc pas l’art de la marchandisation.
Semblable à l’avènement des ressources culturelles publiques – telles que les bibliothèques, les galeries d’art et les archives publiques – un bien commun en streaming serait une plate-forme publique, où le financement de l’État remplace l’investissement en capital-risque. Il est important qu’en l’absence d’algorithme et de contrôle d’accès aux listes de lecture, un commun de diffusion en continu réduise les inégalités entre les labels indépendants et les majors, et empêche la surveillance et la marchandisation des données. Grâce à la démocratisation et à la propriété collective, les algorithmes pourraient être rendus transparents et responsables, garantissant ainsi la confidentialité et la protection des données conformément aux désirs et aux besoins du public.
Le modèle de streaming actuel n’a pas été conçu pour les artistes. Les intérêts des grands labels d’entreprise, des plateformes de streaming et du capital-risque visent à garantir que le système reste inchangé et serve leurs intérêts, tandis que l’exploitation des artistes et la dévaluation de leur musique se poursuivent. Contrairement à l’opinion de Rishi Sunak et du gouvernement conservateur, tous les musiciens, commercialement viables ou non, peuvent être dotés de ressources adéquates. La musique ne devrait pas être simplement du contenu utilisé pour vendre de la publicité aux marques d’entreprise : conçu pour servir les artistes, les travailleurs et le public, un modèle de streaming coopératif détenu en commun sauverait le potentiel radical des plateformes de streaming des prix prédateurs, du capitalisme de surveillance et de la financiarisation.
La source: jacobinmag.com
