Il y a une partie du nouveau film de Wes Anderson que j’ai appréciée plus que n’importe quel autre film d’Anderson depuis de nombreuses années. C’est une histoire excentrique dans l’histoire appelée “The Concrete Masterpiece”, filmée en noir et blanc et racontée dans un cadre aux couleurs vives par JKL Berenson (Tilda Swinton), soi-disant un hommage à la célèbre critique d’art Rosamond Bernier. Elle s’adresse à un public enthousiaste en train de laper ses histoires de haute culture sur les arts bas. Son histoire parle du psychopathe Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), condamné à la prison à vie pour deux homicides sanglants, qui se retrouve soudainement le peintre prodige du monde de l’art moderne. Le mérite de l’effervescence du segment revient principalement à Del Toro en tant qu’artiste outsider, avec une mention honorable à sa costar Léa Seydoux (Pas le temps de mourir) comme son geôlier, son amant et son modèle.
Del Toro réussit tout d’une manière ou d’une autre – les grognements comiquement sauvages, les yeux fixes dans le visage ravagé et barbu, le monologue (il y a toujours un monologue). Dans celui-ci, lorsqu’on lui dit qu’il doit faire une déclaration obligatoire pour le cours d’art et d’artisanat de la prison, il raconte une longue histoire de plus en plus sombre sur son incarcération, son désespoir et son suicide probable, se terminant par : « Et c’est pourquoi je me suis inscrit à l’argile poterie et tissage.
Il le fait impeccablement.
Dans les films d’Anderson, il y a toujours un ou deux acteurs qui se distinguent par la façon dont ils parviennent à s’adapter à l’artifice sans air mis en place par cet auteur maniaque tatillon, tout en conservant une impression d’humanité désordonnée. Et quand cela se produit, c’est un délice pour le public, comme si l’acteur avait réussi un tour de magie. Del Toro est l’un d’entre eux.
Owen Wilson a réussi le premier Fusée en bouteille, suivi de Bill Murray dans Rushmore. Toute la carrière de Jason Schwartzman, maudit soit-il, peut être imputée à sa capacité à agir conformément à l’univers arrogant et maniéré d’Anderson, tenant des poses amusantes et impassibles, débitant des paragraphes de dialogue absurdement érudit et déchirant. Et c’est sans doute pour cette raison de carrière que des acteurs renommés se lancent avec empressement dans des films d’Anderson absurdement tendus, heureux de jouer un petit rôle si nécessaire. Dans La dépêche française, c’est : « Oh regardez, il y a Christoph Waltz pendant une minute chaude, et il y a Elisabeth Moss, et il y a Willem Dafoe, et il y a Henry Winkler, et il y a Liev Schreiber, et il y a Edward Norton, et il y a Saoirse Ronan. . . “
C’est gênant, mais cela place Anderson dans une position similaire à celle que Woody Allen avant le scandale occupait dans les années 1980 et 1990, à l’époque de Hannah et ses soeurs, Crimes et délits, et La rose pourpre du Caire. Des acteurs célèbres rampaient aussi sur du verre brisé pour entrer dans ses films, même dans de minuscules parties. L’association avait également une crédibilité de haute culture similaire – toute cette érudition et cet attrait intellectuel snob dans les films d’auteur d’Allen, le savoir-faire de la plus haute qualité, les nominations et les récompenses inévitables qui ont suivi.
Mais est-ce que même Woody Allen, à son moment de folie snob obsédée par les GUÊPES, à son plus haut niveau de culture, de cinéma d’art et d’adoration de Manhattan, aurait-il construit un film entier en hommage au New yorkais?
Et pourtant, c’est ce qu’a fait Wes Anderson. Ce vieux cheval de bataille grinçant d’un magazine, marchant péniblement sous le fardeau de sa formidable réputation acquise au début du milieu du vingtième siècle, a obsédé Anderson depuis son adolescence au Texas. Il semble qu’il ait rassemblé presque tous les numéros jamais publiés. La police utilisée dans La dépêche française est le New yorkaispolice de , les dessins ressemblant à des griffonnages ressemblent à New yorkais griffonnages, et comme déjà indiqué, un certain nombre de personnages principaux sont tirés de personnages clés du passé illustre de la New yorkais. Bill Murray, par exemple, joue Expédition française rédacteur en chef Arthur Howitzer Jr, basé sur New yorkais rédacteur en chef fondateur Harold Ross.
Le film est organisé comme une série d’« histoires », d’abord démontrées sur la page, puis narrées dans diverses circonstances. Il y en a des plus courts et des plus longs, plus ou moins vifs, mélancoliques, comiquement violents. Techniquement, il n’y en a que quatre, mais on dirait une dizaine, à cause de tous les différents cadrages pointilleux et aussi à cause de l’implacable formalisme Andersonien qui les enferme tous dans le même ton.
Cela devient plus visible avec le pire du groupe, « Revisions to a Manifesto », de Lucinda Krementz, représentant New yorkais l’écrivain Mavis Gallant et joué par Frances McDormand. C’est l’envoi des manifestations étudiantes de mai 1968 en France, couvertes par Gallant, qui ont finalement déclenché une rébellion syndicale tous azimuts, une grève générale et un effondrement de l’économie qui ont failli renverser le gouvernement du président Charles de Gaulle, qui a fui le pays à un moment donné. Mais vous ne le sauriez jamais ici.
Dans le scénario écrit par Anderson et ses collaborateurs fréquents Roman Coppola, Hugo Guinness et Jason Schwartzman, le slogan des élèves est : « Les enfants sont grincheux.
L’un des leaders étudiants confus, Zefferelli (joué par l’omniprésent Timothée Chalamet) se dispute perpétuellement avec une jeune manifestante qui serait une figure politiquement beaucoup plus radicale que lui. Ils sont finalement exhortés par la féculente Miss Krementz à « Allez, faites l’amour » et les jeunes naïfs s’envolent sur leur moto pour s’occuper de la question vraiment importante des relations humaines fondamentales qui, apparemment, s’occuperont également de tous les efforts politiques.
C’est tellement insupportable qu’il jette un voile sur les meilleures parties de la dernière histoire, “La salle à manger privée du commissaire de police”, en particulier l’excellente performance de Jeffrey Wright dans le rôle de Roebuck Wright, une version fictive de James Baldwin. (Jeffrey Wright a noté que les écrivains AJ Liebling et Tennessee Williams sont également des sources pour le personnage.) Comme Benicio Del Toro, Wright cloue vraiment son monologue, qui dans son cas est une révélation poignante de la raison pour laquelle il s’est consacré à écrire sur la nourriture, concluant qu’en tant qu’expatrié noir et gay qui, dit-il, « a choisi cette vie », il a trouvé une sorte de compagnon dans l’expérience culinaire française, avec une table toujours dressée pour lui quelque part.
Wright parvient à transmettre l’oratoire incroyablement mélodieux et articulé qui était autrefois couramment entendu dans les talk-shows de la télévision américaine. Et pour être charitable, il est clair que ce monde révolu de langage immersif hante Anderson, qui essaie toujours de préserver des aspects de la culture qui s’évaporaient déjà quand il était enfant. D’où la présentation nostalgique du livre de contes, maintes et maintes fois, qui pourrait commencer: «Il était une fois, lorsque des personnes ayant des références de haute culture, ou du moins des aspirations à des références de haute culture, écrivaient et parlaient dans des paragraphes correctement ponctués. . . “
Donc, ce n’est pas comme s’il n’y avait absolument aucune raison de voir le film, qui brille comme n’importe quel artisanat raffiné, de haute qualité, poli de manière obsessionnelle, et a même des lueurs de vraie perspicacité, d’humour et d’affection ici et là. Mais comme toujours, vous devez vous frayer un chemin à travers la sensibilité archi-andersonienne suffocante pour les atteindre. Devinez comment Anderson l’ardent francophile nomme la ville française imaginaire où le Expédition française, une publication basée au Kansas, est-elle générée ? Ennui-sur-Blasé. Trouvez-vous cela délicieusement frais et drôle ? Alors ce film est fait pour vous.
Bien que j’admette que cela ne vaut plus la peine de recommander ou de ne plus recommander les films de Wes Anderson. C’est une quantité si distinctive et bien connue, pour le meilleur ou pour le pire, que les gens qui se donnent la peine de lire des critiques de films ont déjà décidé de voir son dernier effort, ou bien ils savent qu’ils ne seraient pas pris à mort en le voyant. Et c’est une question à régler entre vous et le bon Dieu.
La source: jacobinmag.com
