Musique des rues, musique de la révolte

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Les années 1920 ont vu l’émergence de nouveaux genres de musique à travers le monde, parfois liés à des mouvements anticoloniaux. Neil Rogall revient sur une étude inspirante de la période.

Couple dansant sur de la musique de fils à Cuba Photo : Howard Ignatius, www.flickr.com/photos/howardignatius/ – Creative Commons

Michel Denning, Noise Uprising : l’audiopolitique d’une révolution musicale mondiale (Londres : Verso, 2015), 320pp. 19,99 £ (actuellement broché 13,99 £, Ebook 10,79 £)


L’invention de l’enregistrement électrique en 1925 a conduit, dans les années qui ont précédé la Grande Dépression, à des ingénieurs du son voyageant à travers le monde à la recherche de musique à enregistrer – à Buenos Aires, Jakarta, Bombay, La Havane, Hawaï, Shanghai – et dans les ports de l’ouest et l’Afrique du nord. Ici, dans les ports de l’Atlantique noir, de la Méditerranée tsigane et du Pacifique polynésien, de nouvelles musiques émergent – tango, marabi, fado, highlife, rebetika, biguine, son, hula, kroncong et bien d’autres. Ce n’étaient pas des musiques folkloriques, ni des importations de leurs maîtres coloniaux. C’étaient des sons nouveaux, reflétant les barrios ouvriers des ports coloniaux « et leurs relations avec les migrations et les mouvements, les émeutes et les soulèvements au lendemain de la Grande Guerre » (chapitre 6) qui rassemblaient des marins du monde entier et attiraient migrants ruraux à la recherche non seulement d’un travail et d’une nouvelle forme de vie.

Instruments nouveaux et anciens ont été réunis, adaptés et improvisés. L’importation massive d’instruments de musique occidentaux, notamment la guitare, associée à des instruments issus des traditions locales. Certaines des formes musicales sont devenues des folies en Occident, par exemple la musique cubaine et hawaïenne, mais d’autres n’ont pas réussi à s’enraciner. Et, bien sûr, la musique du reste du monde a été entendue comme un horrible bruit dissonant par les auteurs musicaux et le public occidentaux établis.

L’historien culturel marxiste Michael Denning dans Soulèvement du bruit soutient que ces musiques vernaculaires de la fin des années 1920 étaient une condition préalable aux mouvements anticoloniaux et à la décolonisation. La décolonisation des épis a précédé la décolonisation du territoire. Ce n’était pas parce que les musiques étaient politiques ; certains l’étaient, d’autres non. Certains musiciens étaient impliqués dans des luttes anticoloniales ; certains ne l’étaient pas. Mais tout reflétait la vie des gens ordinaires, les rythmes de la vie quotidienne, la recherche de nourriture, d’un toit et de l’amour. C’était la musique des rues. Et le fait qu’ils aient fait des objets du colonialisme, des masses coloniales, des sujets plutôt que des objets, était crucial pour imaginer un monde sans patrons coloniaux, sans le fouet de l’homme blanc.

C’est un livre vraiment passionnant, mais vous devez dépasser le chapitre 1, qui est un peu une liste de courses nécessairement des musiques et des dates auxquelles elles ont été enregistrées pour la première fois et où. Une fois cette liste dépassée, ce livre est vraiment inspirant et me donne envie de découvrir des musiques que je ne connais pas encore.

Le deuxième chapitre, « La polyphonie des ports coloniaux », examine de manière cruciale les routes maritimes et la croissance spectaculaire des villes portuaires dans le Sud global dans les années entre 1910 et 1930, qui ont fourni la géographie spatiale et la population de ces nouvelles musiques vernaculaires. À la suite de Franz Fanon, Denning soutient que ces villes ont toujours été divisées en villes indigènes et en villes de colons et en inter-districts dominés par les communautés de la diaspora. C’était le lit de semence pour les nouveaux sons qui ont émergé d’en bas.

Dans les chapitres suivants, Denning décrit le rôle vital que le phonographe a joué en permettant à la musique d’être diffusée dans les rues, les bars et les salles de danse. Ce qui m’a surpris, c’est leur coût relativement faible, ce qui les rend accessibles aux travailleurs ayant un revenu régulier. Il évoque également le développement du jazz comme l’une de ces musiques vernaculaires. En fait, l’un des points forts du livre est la façon dont il peut passer de Louis Armstrong à Umm Kulthum, un chanteur qui a rompu avec la famille royale égyptienne pour soutenir le mouvement nationaliste égyptien dans les années 1940, dans la même phrase.

Le chapitre « Un ciel bruyant et une terre syncopée » : Refaire l’oreille musicale » est un écrit révélateur comme je n’en ai jamais lu. J’ai particulièrement apprécié sa discussion sur ce qu’est réellement “l’improvisation” et la façon dont elle était considérée comme de la “tricherie” par les critiques musicaux occidentaux dans les années 1920 et 1930.

Son dernier chapitre traite d’abord de la façon dont ces musiques ont été réimaginées comme « musiques nationales » par les États postcoloniaux, comme symboles de la culture nationale alors qu’elles avaient été initialement dénoncées comme des importations étrangères et étrangères. Denning se penche enfin sur la façon dont ces mêmes musiques vernaculaires ont été reconditionnées cette fois en « musiques du monde » dans les années 1980 destinées au Nord global au début de la vague actuelle de mondialisation.

Dans l’ensemble, c’est un livre vraiment merveilleux et c’était amusant aussi, surtout dans la façon dont il s’engage dans un dialogue avec tous ceux qui détestaient ces musiques, en particulier Adorno. J’y ai pris tellement de plaisir et j’ai tellement appris.

Publié à l’origine par Tempest.

La source: www.rs21.org.uk

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